Les fresques de la chapelle des Scrovegni par Giotto

La chapelle d'un pénitent

La chapelle des Scrovegni existe en raison d'un problème de réputation familiale. Enrico Scrovegni, riche noble de Padoue, fit bâtir cette petite chapelle vers 1300 sur un terrain jouxtant le palais de sa famille, construite sur les ruines d'une ancienne arène romaine, ce qui explique que l'édifice soit parfois appelé la chapelle de l'Arena. Une longue tradition, reprise par Dante Alighieri, qui plaça le père d'Enrico, Reginaldo, parmi les usuriers du septième cercle de l'Enfer, veut qu'Enrico ait commandé la chapelle au moins en partie pour expier une fortune familiale accumulée par le prêt à intérêt — une pratique que l'Église médiévale considérait comme un péché grave. Quel qu'ait été le mélange de piété, de pénitence et de prestige motivant la commande, Enrico engagea l'un des peintres les plus recherchés de sa génération pour remplir chaque surface disponible d'un unique et continu sermon visuel.

Le peintre derrière l'œuvre

Vers 1300, Giotto di Bondone était déjà un nom établi, même si la chapelle des Scrovegni allait asseoir sa réputation de peintre ayant changé le cours de la peinture occidentale. Selon le récit ultérieur, en partie légendaire, de Giorgio Vasari dans les Vies des artistes, Giotto se serait formé auprès de Cimabue, principal peintre florentin de la génération précédente, et se serait progressivement éloigné du style plus plat et formel d'influence byzantine qui avait dominé la peinture italienne pendant des siècles. Ce qui distinguait Giotto, et que les fresques des Scrovegni démontrent à pleine échelle, c'était son instinct pour le poids, le geste et la présence physique — des figures qui occupent l'espace de manière convaincante, des visages qui traduisent de véritables états émotionnels, plutôt que des expressions symboliques et stylisées répétées à travers une composition.

Parcourir le cycle

L'intérieur de la chapelle s'organise avec une clarté remarquable, se déployant presque comme une bande dessinée sur trois registres horizontaux courant le long des murs latéraux. Le registre supérieur raconte l'histoire de Joachim et Anne, parents de Marie selon la tradition apocryphe plutôt que les Évangiles canoniques, suivie de scènes de la vie de la Vierge Marie elle-même, dont sa naissance, sa présentation au Temple, et ses fiançailles avec Joseph. Les registres du milieu et du bas basculent vers la vie du Christ — l'Annonciation, la Nativité, le Baptême, le ministère, la Passion et la Résurrection — disposés pour être lus de gauche à droite, de haut en bas, presque comme une page de texte. Tout le mur ouest de l'entrée est consacré à un unique Jugement dernier monumental, positionné de sorte que quiconque quitte la chapelle en sort sous le regard du Christ trônant dans sa gloire, entouré de scènes des sauvés et des damnés — une image finale délibérément saisissante pour la chapelle privée d'un commanditaire pénitent.

La Lamentation : le chagrin rendu physique

Parmi les différentes scènes, les historiens de l'art distinguent presque unanimement la Lamentation, parfois appelée Deuil du Christ, montrant le corps sans vie de Jésus entouré de personnes en deuil après la Descente de croix. Ce qui rend la scène remarquable n'est pas l'invention dramatique — le sujet était courant dans l'art médiéval — mais la manière dont Giotto traite le chagrin lui-même. Marie serre la tête du Christ avec une intensité qui se lit comme véritablement physique plutôt que cérémonielle ; Jean l'Évangéliste rejette les bras en arrière dans une angoisse visible ; au-dessus, un tourbillon de petits anges se tordent et se contorsionnent dans le ciel, chacun exprimant sa douleur par une posture distincte et individualisée plutôt que par un geste répété et générique. Ce traitement du chagrin par des corps dans l'espace, plutôt que par des poses symboliques, devint l'une des images les plus influentes de toute la tradition plus large de la Lamentation du Christ dans l'art, un motif que les artistes ultérieurs à travers l'Europe reprendraient sans cesse, chacun trouvant sa propre manière de saisir ce que Giotto avait déjà rendu incontestablement humain.

Technique de la fresque et un rythme stupéfiant

Peindre toute la chapelle en véritable fresque — un pigment appliqué directement sur du plâtre humide pour qu'il se lie de manière permanente au séchage du mur — imposait un rythme exigeant à Giotto et à son atelier. Chaque section de plâtre, appelée giornata (« journée de travail » en italien), devait être peinte avant de sécher, ce qui signifie que l'ensemble du cycle fut littéralement construit jour après jour, section après section, sans possibilité de révision significative une fois une section prise. L'analyse technique moderne de la chapelle a permis d'identifier plusieurs centaines de giornate distinctes sur ses murs, et les chercheurs estiment que Giotto acheva l'ensemble de la commande en environ deux ans — un rythme extraordinairement rapide vu l'ampleur du projet et la précision technique qu'exige la fresque.

Pourquoi les historiens de l'art considèrent cette chapelle comme un tournant

La chapelle des Scrovegni est fréquemment citée comme marquant le début d'un basculement qui mènerait finalement à la Renaissance proprement dite : une peinture traitant l'espace comme quelque chose que les corps occupent réellement, et l'émotion comme quelque chose transmis par le geste physique et l'expression du visage plutôt que par la seule convention symbolique. Les figures de Giotto ont du volume ; elles portent un poids implicite ; leur chagrin, leur colère, leur tendresse et leur émerveillement se lisent comme des états humains reconnaissables plutôt que comme des étiquettes iconographiques. Des peintres ultérieurs, de Masaccio à Michel-Ange, reconnaîtraient ouvertement l'exemple de Giotto comme fondateur de leur propre œuvre.

Toujours debout, toujours fragile

Plus de sept siècles après que Giotto l'eut achevée, la chapelle des Scrovegni demeure à Padoue, ses fresques remarquablement intactes malgré leur âge, même si les visites sont désormais strictement réglementées — les visiteurs passent généralement par une antichambre climatisée avant une entrée chronométrée avec rigueur, une précaution destinée à protéger le plâtre et le pigment de fluctuations d'humidité qui pourraient défaire ce qui a survécu sept cents ans presque intact. Pour une chapelle bâtie, selon la tradition, à partir de la culpabilité d'un seul homme envers la fortune de sa famille, elle est devenue l'un des monuments les plus visités et étudiés de toute l'histoire de la peinture occidentale.