Giottos Fresken in der Scrovegni-Kapelle

Eine Kapelle der Buße

Die Scrovegni-Kapelle verdankt ihre Entstehung einem Rufproblem der Familie. Enrico Scrovegni, ein wohlhabender Adliger aus Padua, ließ die kleine Kapelle um 1300 auf Grund neben dem Familienpalast errichten, erbaut über den Ruinen einer antiken römischen Arena, weshalb das Gebäude gelegentlich auch Arena-Kapelle genannt wird. Eine lange Tradition, aufgegriffen von Dante Alighieri, der Enricos Vater Reginaldo unter den Wucherern im siebten Kreis des Inferno platzierte, besagt, dass Enrico die Kapelle zumindest teilweise in Auftrag gab, um für den Reichtum zu büßen, den seine Familie durch Geldverleih gegen Zinsen erworben hatte — eine Praxis, die die mittelalterliche Kirche als schwere Sünde behandelte. Welche Mischung aus Frömmigkeit, Buße und Prestige den Auftrag auch immer bewog: Enrico beauftragte einen der gefragtesten Maler seiner Generation, jede verfügbare Fläche mit einer einzigen, durchgehenden visuellen Predigt zu füllen.

Der Maler dahinter

Um 1300 war Giotto di Bondone bereits ein etablierter Name, doch die Scrovegni-Kapelle sollte seinen Ruf als der Künstler festigen, der die Richtung der westlichen Malerei änderte. Giorgio Vasaris späterer, teils legendärer Darstellung in den Lebensbeschreibungen der Künstler zufolge hatte Giotto bei Cimabue gelernt, dem führenden florentinischen Maler der vorangegangenen Generation, und sich allmählich von dem flacheren, formaleren byzantinisch geprägten Stil entfernt, der die italienische Malerei über Jahrhunderte beherrscht hatte. Was Giotto auszeichnete, und was die Scrovegni-Fresken in vollem Umfang zeigen, war sein Gespür für Gewicht, Gestik und physische Präsenz — Figuren, die den Raum überzeugend einnehmen, Gesichter, die echte emotionale Zustände zeigen, statt symbolische, stilisierte Ausdrücke, die immer wieder in derselben Form auftauchen.

Ein Gang durch den Zyklus

Der Innenraum der Kapelle ist mit bemerkenswerter Klarheit gegliedert und entfaltet sich fast wie ein Filmstreifen über drei horizontale Bänder, die um die Seitenwände laufen. Das oberste Register erzählt die Geschichte von Joachim und Anna, Marias Eltern nach apokrypher, nicht kanonischer Überlieferung, gefolgt von Szenen aus dem Leben der Jungfrau Maria selbst, darunter ihre Geburt, die Darstellung im Tempel und ihre Verlobung mit Joseph. Das mittlere und untere Band wenden sich dem Leben Christi zu — Verkündigung, Geburt, Taufe, Wirken, Passion und Auferstehung —, angeordnet zum Lesen von links nach rechts, von oben nach unten, ganz wie eine Textseite. Die gesamte westliche Eingangswand ist einem einzigen monumentalen Jüngsten Gericht gewidmet, so platziert, dass jeder, der die Kapelle verlässt, unter dem thronenden, in Herrlichkeit erscheinenden Christus hinaustritt, umgeben von Szenen der Geretteten und der Verdammten — ein bewusstes, ernüchterndes Schlussbild für die private Kapelle eines Büßenden.

Die Beweinung: Trauer als körperliche Erfahrung

Unter den einzelnen Szenen heben Kunsthistoriker am beständigsten die Beweinung hervor, manchmal auch Trauer um Christus genannt, die den toten Leib Jesu zeigt, umgeben von Trauernden nach der Abnahme vom Kreuz. Bemerkenswert an der Szene ist nicht dramatische Erfindung — das Motiv war in der mittelalterlichen Kunst verbreitet —, sondern wie Giotto mit der Trauer selbst umgeht. Maria umfängt Christi Kopf mit einer Intensität, die echt physisch wirkt, nicht zeremoniell; Johannes der Evangelist wirft sichtlich verzweifelt die Arme zurück; oben wirbeln kleine Engel und winden sich am Himmel, jeder von ihnen drückt Trauer durch eine eigene, individuelle Haltung aus statt durch wiederholte, allgemeine Gestik. Diese Darstellung der Trauer durch Körper im Raum, statt durch symbolische Posen, wurde zu einem der einflussreichsten Einzelbilder in der breiteren Tradition der Beweinung Christi in der Kunst, einem Motiv, zu dem spätere Künstler in ganz Europa immer wieder zurückkehrten, jeder auf seine Weise bemüht, das einzufangen, was Giotto bereits unmissverständlich menschlich gemacht hatte.

Freskotechnik und ein erstaunliches Tempo

Die gesamte Kapelle in echtem Fresko zu malen — Pigment direkt auf feuchten Putz aufgetragen, sodass es sich beim Trocknen dauerhaft mit der Wand verbindet — verlangte Giotto und seiner Werkstatt einen anspruchsvollen Rhythmus ab. Jeder Putzabschnitt, giornata genannt (italienisch für „Tagwerk“), musste gemalt werden, bevor er trocknete, sodass der gesamte Zyklus buchstäblich Tag für Tag, Fläche für Fläche aufgebaut wurde, ohne Möglichkeit größerer Überarbeitung, sobald ein Abschnitt fest geworden war. Moderne technische Analysen der Kapelle haben mehrere Hundert einzelne giornate an ihren Wänden identifiziert, und Forscher schätzen, dass Giotto den gesamten Auftrag in etwa zwei Jahren vollendete — ein außergewöhnlich schnelles Tempo angesichts des schieren Umfangs des Unternehmens und der technischen Präzision, die das Fresko verlangt.

Warum Kunsthistoriker diese Kapelle als Wendepunkt behandeln

Die Scrovegni-Kapelle wird häufig als Beginn einer Entwicklung genannt, die schließlich in die Renaissance im eigentlichen Sinn münden sollte: eine Malerei, die Raum als etwas behandelt, das Körper tatsächlich einnehmen, und Emotion als etwas, das durch physische Gestik und Gesichtsausdruck vermittelt wird, nicht allein durch symbolische Konvention. Giottos Figuren haben Volumen; sie tragen ein spürbares Gewicht; ihre Trauer, ihr Zorn, ihre Zärtlichkeit und ihr Staunen lesen sich als erkennbar menschliche Zustände, nicht als ikonografische Etiketten. Spätere Maler, von Masaccio bis Michelangelo, erkannten Giottos Beispiel offen als grundlegend für ihr eigenes Werk an.

Noch immer bestehend, noch immer empfindlich

Mehr als sieben Jahrhunderte nach Giottos Fertigstellung steht die Scrovegni-Kapelle noch in Padua, ihre Fresken angesichts ihres Alters bemerkenswert unversehrt, wenn auch Besuche heute streng geregelt sind — Besucher durchqueren üblicherweise einen klimatisierten Vorraum vor einem streng getakteten Einlass, eine Vorsichtsmaßnahme, die Putz und Farbschicht vor Feuchtigkeitsschwankungen schützen soll, die zunichtemachen könnten, was sieben Jahrhunderte weitgehend unangetastet überdauert hat. Für eine Kapelle, die der Überlieferung nach aus der Schuld eines Mannes über den Reichtum seiner Familie entstand, ist sie stattdessen zu einem der meistbesuchten und meiststudierten Denkmäler der gesamten Geschichte der westlichen Malerei geworden.