El Cristo de San Juan de la Cruz de Salvador Dalí

Una crucifixión sin violencia

Salvador Dalí pasó la primera mitad de su carrera como uno de los provocadores más reconocibles al instante del surrealismo, llenando lienzos de relojes derretidos, jirafas en llamas y distorsiones oníricas del cuerpo humano. Hacia 1951, cuando completó el Cristo de San Juan de la Cruz, había entrado en lo que él llamaba su período de "misticismo nuclear", un giro hacia temas religiosos y científicos que sorprendió a muchos que lo asociaban únicamente con el impacto surrealista. La pintura resultante sigue siendo, a su manera, impactante, aunque no por las razones que lo había sido su obra anterior.

La imaginería tradicional de la crucifixión, con siglos de historia en el arte sacro occidental, tiende a subrayar el sufrimiento físico de Cristo: la corona de espinas clavada en su cráneo, la sangre de las heridas de los clavos, un cuerpo que cede bajo su propio peso, a menudo rodeado de figuras dolientes al pie de la cruz. Dalí eliminó todo eso. Su Cristo cuelga suspendido contra un cielo negro, visto desde un ángulo extremadamente elevado que sitúa al espectador en algún lugar por encima y ligeramente por detrás de su cabeza, mirando hacia abajo a lo largo de sus brazos extendidos hacia una bahía luminosa y una escena de barcas tomada de un pueblo pesquero real que Dalí conocía en la costa catalana. No hay corona de espinas, ni llagas visibles, ni sangre. El efecto es menos una imagen de agonía que de una trascendencia serena, casi ingrávida, un cuerpo que parece flotar en lugar de colgar.

Un punto de vista tomado de la mano de un santo

El rasgo más distintivo de la pintura, su extrema perspectiva aérea, no fue una invención de Dalí surgida de la nada. Lo remontó directamente a una fuente que le resultó genuinamente fascinante: un pequeño y tosco boceto a pluma y tinta atribuido tradicionalmente a san Juan de la Cruz, el fraile carmelita, poeta y místico español del siglo XVI conocido sobre todo por sus escritos sobre la "noche oscura del alma". Según la tradición asociada a este boceto, conservado hoy en el Monasterio de la Encarnación de Ávila, Juan lo dibujó tras experimentar una visión de Cristo crucificado, vista precisamente desde este ángulo inusual, como si se mirara desde el propio cielo en lugar de hacia arriba desde el pie de la cruz, el punto de vista que había usado casi cualquier otra crucifixión en la historia del arte occidental.

Dalí se topó con una reproducción de este boceto centenario y quedó fascinado por su geometría, adoptando su inusual punto de vista casi con exactitud para su propia composición, mucho más grande y elaborada. Es una colaboración sorprendente a través de cuatrocientos años: un dibujo devocional privado hecho por un místico en un monasterio español convirtiéndose en el fundamento estructural de una de las pinturas religiosas más famosas del siglo XX, obra de un artista cuya reputación pública difícilmente podría parecer más alejada de la callada espiritualidad carmelita.

El relato del propio Dalí sobre el origen de la pintura

Dalí dio su propia explicación del origen de la pintura, describiendo lo que llamó un "sueño cósmico" en 1950 en el que afirmó haber visto el núcleo de un átomo, y que esa imagen, según dijo, se le reveló más tarde como el cuerpo de Cristo. Este relato encajaba con la fase más amplia de "misticismo nuclear" de su carrera, durante la cual Dalí estaba preocupado por reconciliar su fe católica, reavivada más tarde en su vida, con los avances contemporáneos de la física, en particular la fisión del átomo y los descubrimientos de la física de partículas que habían reconfigurado la imaginación pública desde la Segunda Guerra Mundial. Fuera cual fuese la secuencia exacta del propio proceso creativo de Dalí, fue explícito al vincular su visión personal con el boceto histórico de Juan de la Cruz, tratando la obra más antigua tanto como inspiración como validación del extraño ángulo hacia el que ya se sentía atraído.

La pintura también refleja una planificación técnica cuidadosa y deliberada, no solo inspiración espontánea. Se dice que Dalí construyó una pequeña estructura de andamiaje para estudiar cómo se vería un cuerpo desde el ángulo elevado concreto que quería, usándola para resolver el escorzo de los brazos, el torso y las piernas de Cristo con la misma precisión rigurosa, casi científica, que aplicaba a su relación con la física contemporánea.

De encargo privado a icono público

Dalí terminó la pintura en 1951, y al año siguiente fue adquirida por la Kelvingrove Art Gallery and Museum de Glasgow, Escocia, una decisión que en su momento suscitó críticas de parte del mundo artístico escocés, que se oponía a gastar fondos públicos en un surrealista vivo en lugar de en obras más tradicionales, e incluso, en algún momento, de estudiantes de arte que consideraban que el museo debería haber priorizado el arte escocés contemporáneo. Esa controversia se ha disipado hace tiempo. La pintura se ha convertido en una de las obras más visitadas y más reproducidas de Kelvingrove, y sus reproducciones —postales, láminas, estampas devocionales— han circulado ampliamente, en un extraño eco del mismo proceso que llevó el pequeño boceto de Juan de la Cruz, siglos antes, desde una visión privada en un monasterio de Ávila hasta convertirse en una imagen conocida y copiada mucho más allá de los muros donde se dibujó por primera vez.