Il giglio nell'arte religiosa

Un fiore con un solo compito

La maggior parte dei simboli dell'arte sacra cristiana ha accumulato strati di significato nel corso dei secoli, assorbendo nuove associazioni mentre attraversava regioni ed epoche diverse. Il giglio è insolitamente focalizzato, al confronto — nella stragrande maggioranza dei dipinti cristiani significa una sola cosa: la purezza, e in particolare la verginità, quasi sempre quella della Vergine Maria. Questa concentrazione stretta e coerente è parte del motivo per cui il fiore ricorre con tanta regolarità esattamente nelle stesse poche scene, per centinaia di anni di arte occidentale.

L'Annunciazione: la scena d'elezione del giglio

Nessuna scena presenta il giglio con più costanza dell'Annunciazione — il momento in cui l'angelo Gabriele appare a Maria con la notizia che concepirà e darà alla luce un figlio. Il Vangelo di Luca registra il saluto dell'angelo con semplicità: "entrando da lei, disse: «Rallégrati, piena di grazia: il Signore è con te»" (Luca 1,28). I pittori, lavorando su quel testo spoglio, avevano bisogno di un modo per dichiarare visivamente ciò che le sole parole lasciavano intendere — che Maria avrebbe concepito restando vergine — e il giglio bianco divenne la soluzione standard. L'Annunciazione di Leonardo da Vinci, mostrata sopra, colloca il dispositivo esattamente dove lo posero secoli di pittori prima e dopo di lui: Gabriele è inginocchiato a sinistra, tenendo uno stelo di giglio dritto tra sé e Maria, posizionato quasi come un elemento di confine al centro della composizione, prova visibile di purezza offerta proprio nel momento in cui viene annunciato il concepimento miracoloso. Il fiore compare tipicamente in un vaso su un piedistallo o tenuto direttamente nella mano di Gabriele, ma la sua collocazione è quasi sempre la stessa — tra le due figure, impossibile da non notare.

Il bastone fiorito di San Giuseppe

Una seconda, distinta tradizione legata al giglio riguarda San Giuseppe, lo sposo di Maria, sebbene questa provenga dalla leggenda pia piuttosto che dai Vangeli stessi. Secondo un racconto diffuso ampiamente nel medioevo e attinto da scritti apocrifi precedenti, diversi pretendenti alla mano di Maria portarono ciascuno un bastone di legno al Tempio, e Dio indicò la propria scelta facendo fiorire di gigli soltanto il bastone di Giuseppe — un segno che i bastoni degli altri pretendenti non produssero. Pittori e scultori ripresero volentieri il dettaglio, e Giuseppe è spesso raffigurato, a partire dal tardo medioevo, mentre tiene un bastone fiorito o un semplice stelo di giglio, una silenziosa eco visiva della stessa purezza di Maria attribuita anche al marito. Vale la pena chiarire che questa leggenda del bastone è tradizione, non dottrina né Scrittura — un dettaglio da tenere presente prima di trattarla come fatto storico, anche se ha comunque plasmato l'arte devozionale per secoli.

La purezza, non l'unico significato

Sebbene il significato dominante del giglio nell'arte cristiana sia la purezza, non è l'unica apparizione del fiore nella Scrittura. Nel Vangelo di Matteo, Gesù usa i fiori di campo come immagine della fiducia nella provvidenza, non della verginità: "E per il vestito, perché vi preoccupate? Osservate come crescono i gigli del campo: non faticano e non filano. Eppure io vi dico che neanche Salomone, con tutta la sua gloria, vestiva come uno di loro" (Matteo 6,28-29) — un passo noto popolarmente, nella formulazione di traduzioni più antiche, come "considerate i gigli del campo". Questo passo appartiene a un filone separato del simbolismo del giglio, legato alla cura di Dio per il creato piuttosto che alla purezza di Maria, e gli artisti che illustrano proprio questo passo evangelico — di solito in scene che mostrano Cristo mentre insegna a una folla — usano il fiore in modo diverso rispetto ai pittori che lavorano su una scena dell'Annunciazione. Le due tradizioni coesistono nell'arte cristiana senza sovrapporsi molto, distinte quasi interamente dalla scena in cui il giglio compare.

Giglio e rosa insieme

L'arte mariana si affida raramente al solo giglio. La rosa compare costantemente accanto ad esso, in particolare nella pittura tardo-medievale e del rinascimento nordico, portando un insieme di significati affine ma distinto, legato più alla bellezza, alla gioia e in seguito ai dolori di Maria che alla verginità in senso specifico — un simbolismo approfondito ulteriormente ne La rosa nell'arte mariana. Quando entrambi i fiori compaiono nella stessa composizione, come accade spesso nei giardini devozionali e nei dipinti della Madonna circondati da piante simboliche, l'effetto è cumulativo piuttosto che ridondante: ogni fiore rafforza una diversa sfaccettatura del modo in cui i cristiani medievali e rinascimentali comprendevano Maria, purezza e gioia tenute insieme nello stesso giardino dipinto.

Perché il simbolo è sopravvissuto così intatto

Parte di ciò che ha mantenuto il significato del giglio così stabile nel corso dei secoli, rispetto a simboli che nel tempo si sono trasformati o moltiplicati, è quanto strettamente gli artisti lo abbiano usato. Un pittore che sceglieva un giglio non attingeva a un vasto menù di significati possibili — il fiore svolgeva essenzialmente un solo compito, in essenzialmente un solo tipo di scena, per centinaia di anni consecutivi. Questa coerenza è esattamente il motivo per cui la vista di un unico giglio bianco, anche staccato dal suo dipinto originario e riprodotto su un santino o una stampa moderna, si legge ancora oggi all'istante come segno dell'Annunciazione e della purezza che essa annunciava.