La Última Cena de Leonardo da Vinci

Un encargo para un comedor dominico

Hacia 1495, Leonardo da Vinci trabajaba en Milán bajo el mecenazgo del duque Ludovico Sforza cuando recibió el encargo de pintar un mural en el muro norte del refectorio del Convento de Santa Maria delle Grazie — la sala donde los frailes dominicos residentes tomaban sus comidas diarias. El tema encajaba naturalmente con el comedor de un monasterio: la Última Cena, la comida que Cristo compartió con sus doce apóstoles la noche anterior a su Crucifixión, durante la cual — como recoge el Evangelio de Mateo — les dijo sin rodeos: «uno de vosotros me va a entregar» (Mateo 26:21, Biblia de Jerusalén), desatando una ola de confusión y negación en torno a la mesa. Este es el mismo episodio bíblico examinado con más profundidad teológica en La Última Cena y la institución de la Eucaristía; este artículo se centra en cambio en la pintura concreta de Leonardo — cómo la construyó, por qué estuvo a punto de desaparecer y qué hace su composición tan estudiada.

Leonardo trabajó en el mural durante unos tres años, un lapso inusualmente largo para una pintura mural de ese tamaño, deteniéndose a menudo, según se cuenta, durante largos periodos para pensar cada rostro y gesto antes de tocar el yeso con el pincel. Relatos contemporáneos, incluido el del escritor Matteo Bandello, que observó a Leonardo trabajar, lo describen de pie ante el muro durante horas sin pintar un solo trazo, para luego añadir de pronto unos pocos detalles y marcharse de nuevo — un método de trabajo que frustraba al prior del convento, pero que Leonardo defendía como esencial para lograr la expresión exacta de cada apóstol.

La apuesta técnica que condenó al original

El fresco verdadero exige aplicar el pigmento directamente sobre yeso húmedo, que se une químicamente al color mientras seca — una técnica que produce una durabilidad extraordinaria pero exige rapidez, ya que el artista debe terminar cada sección antes de que el yeso fragüe. Leonardo, que prefería trabajar despacio y revisar sobre la marcha, rechazó el fresco para La Última Cena y experimentó en cambio con una técnica sobre muro seco, aplicando una mezcla de temple y óleo sobre yeso ya seco. El método le dio la flexibilidad que buscaba, pero la pintura se adhería mal a la superficie del muro, y la humedad de la sala — agravada por su uso como comedor, con el vapor y el humo de las comidas — aceleró el daño. Ya en vida del propio Leonardo se reportaba pintura desprendida y deterioro; hacia mediados del siglo XVI, Vasari describía la pintura como ya un «amasijo de manchas», y en el siglo XVII se llegó incluso a abrir una puerta en la parte inferior del muro, eliminando por completo los pies de Cristo de la composición.

Leer la composición

Leonardo organizó a las trece figuras en cuatro grupos de tres apóstoles cada uno, flanqueando a Cristo en el centro, que permanece sereno y aislado en medio del caos visual a su alrededor — su figura forma un triángulo estable, haciendo eco de la misma disciplina geométrica que se ve pocos años antes en la Piedad de Miguel Ángel, aunque aplicada aquí a un medio y un tema completamente distintos. Cada grupo de apóstoles reacciona al anuncio de la traición de Cristo con una combinación propia de asombro, negación, ira o retraimiento silencioso — Leonardo usó los gestos de las manos y el lenguaje corporal, más que solo la expresión facial, para individualizar cada figura, una técnica que había estudiado a fondo a través de bocetos preparatorios, varios de los cuales se conservan hoy en colecciones de museos. Judas, en lugar de estar aislado en el extremo opuesto de la mesa como en la mayoría de representaciones anteriores de la escena, se sienta entre los demás apóstoles, reclinado hacia la sombra con el rostro parcialmente oculto — identificable sobre todo por la pequeña bolsa de monedas que sostiene y su postura defensiva, una forma más sutil de condena visual que la separación tajante en la que se apoyaban las composiciones más antiguas.

La sala misma extiende la arquitectura real del refectorio mediante una perspectiva lineal pintada, con el punto de fuga convergiendo exactamente en la cabeza de Cristo — un recurso que hace que el mural se sienta como una continuación del comedor físico y no como una escena pintada aparte, reforzando la sensación de que los frailes que comían debajo compartían la sala con la propia cena bíblica.

Siglos de intentos de reparación

El frágil estado de la pintura provocó repetidos intentos de restauración a lo largo de los siglos, muchos de los cuales causaron más daño que beneficio. Restauradores de épocas posteriores repintaron secciones dañadas por completo, alterando a veces rostros y detalles de un modo que se alejaba de la obra original de Leonardo, y un bombardeo aliado en 1943, durante la Segunda Guerra Mundial, destruyó el tejado del refectorio, aunque el muro que sostenía la pintura — protegido de antemano con sacos de arena — sobrevivió milagrosamente casi intacto. La restauración moderna más importante, dirigida por la restauradora Pinin Brambilla Barcilon, se prolongó de 1978 a 1999, con análisis microscópico y una retirada minuciosa de siglos de repintes, suciedad y cola aplicados por restauradores anteriores, para recuperar la mayor parte posible de la superficie auténtica de Leonardo. El resultado, presentado en 1999, es inevitablemente una pintura parcial — hay pasajes enteros perdidos sin remedio —, pero representa la mirada más cercana posible a las intenciones originales de Leonardo desde que la obra empezó a deteriorarse hace cinco siglos.

Una pintura que moldeó cómo se imaginaría la escena para siempre

Pese a su estado dañado, La Última Cena se convirtió en el modelo visual definitivo de cómo se imaginaría la escena en el arte occidental y la cultura popular durante los cinco siglos siguientes, copiada, citada y reproducida más que casi cualquier otra pintura religiosa de la historia. Su influencia va mucho más allá del arte, siendo reconocible al instante incluso para espectadores sin ningún trasfondo religioso particular — un testimonio de hasta qué punto la puesta en escena concreta de Leonardo, apóstoles reaccionando en grupos dramáticos alrededor de un Cristo central y sereno, desplazó a toda versión anterior del mismo tema en el imaginario popular.