La fe de Miguel Ángel y su obra religiosa

David Szentgyorgyi Founder of the Saints

A los veinticuatro años, Miguel Ángel talló a un Cristo muerto sobre el regazo de su madre con tanta ternura que al principio la gente se negaba a creer que alguien tan joven lo hubiera hecho. Décadas después, al final de su vida, escribió un soneto confesando que el mismo arte que lo había hecho famoso — «la fantasía necia que hizo del arte mi ídolo» — lo había alejado de Dios. Entre esos dos momentos se despliega una de las carreras religiosas más importantes de la historia del arte.

Una carrera construida casi por completo sobre encargos sacros

Miguel Ángel di Lodovico Buonarroti Simoni, nacido en 1475 en la República de Florencia, produjo una obra que, tema a tema, se lee casi como un repaso de los temas devocionales católicos: la Virgen con el Cristo muerto, la Creación y la Caída en el Génesis, el Juicio Final, el Cristo crucificado y resucitado, Moisés, y numerosos estudios para tumbas, capillas y encargos papales a lo largo de una carrera de casi siete décadas. A diferencia de muchos artistas renacentistas que repartieron su producción de forma bastante equilibrada entre temas religiosos y seculares o mitológicos, las obras principales conservadas de Miguel Ángel son abrumadoramente religiosas en su contenido — no porque le faltara interés por los temas clásicos o seculares, que claramente lo fascinaron durante toda su vida, sino porque sus mecenas más importantes, sobre todo una serie de papas, lo encargaron repetidamente para los proyectos más grandes y prestigiosos de la Iglesia.

Una escultura de mármol de la Virgen María sentada, sosteniendo el cuerpo sin vida de Cristo crucificado sobre su regazo, ambas figuras talladas con ropajes y anatomía realistas.

Miguel Ángel, «Piedad», 1498-1499, Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano — foto de Stanislav Traykov, CC BY 2.5.

La Piedad: una ternura asombrosa a los veinticuatro años

La Piedad de Miguel Ángel, terminada hacia 1499, cuando tenía aproximadamente veinticuatro años, sigue siendo una de las obras técnicamente más extraordinarias de toda su carrera, y fue religiosa en su tema desde el propio encargo — un cardenal francés, Jean de Bilhères, la encargó para su propia tumba en Roma. La escultura muestra a María sentada, sosteniendo el cuerpo sin vida de Cristo sobre su regazo tras la Crucifixión, con un rostro tallado con una juventud que algunos críticos posteriores encontraron desconcertante, dado que ella habría sido considerablemente mayor en el momento de la muerte de Cristo. Según la tradición biográfica posterior recogida por Ascanio Condivi, Miguel Ángel explicó esa elección como un reflejo de la pureza perpetua de María más que de su edad cronológica literal — una decisión artística al servicio de un significado teológico y no del realismo biológico estricto.

La obra suscitó tal admiración, tan inesperada en un escultor todavía veinteañero, que según el relato de Giorgio Vasari, Miguel Ángel oyó a unos visitantes atribuirla a otro escultor más consagrado y, en respuesta, regresó en secreto de noche para tallar su nombre en la banda que cruza el pecho de María — la única obra que se sabe que firmó. Sigue siendo, hasta hoy, la única pieza que firmó de este modo.

La Capilla Sixtina: el Génesis en un techo

El papa Julio II encargó a Miguel Ángel pintar el techo de la Capilla Sixtina a partir de 1508, un proyecto al que Miguel Ángel, según se cuenta, se resistió al principio, considerándose ante todo escultor y no pintor, y sospechando que el encargo había sido urdido por rivales que esperaban verlo fracasar públicamente. A lo largo de cuatro años físicamente agotadores, trabajando en gran parte solo sobre un andamiaje de su propio diseño, cubrió el techo con un enorme ciclo de frescos con escenas del Génesis, desde la Creación de Adán hasta la historia de Noé, enmarcadas por profetas, sibilas y numerosas figuras secundarias.

Décadas después, entre 1536 y 1541, Miguel Ángel regresó a la misma capilla bajo el papa Paulo III para pintar El Juicio Final en el muro del altar — una composición vasta y turbulenta de Cristo como juez rodeado de los salvados que ascienden y los condenados que descienden, representada con una intensidad de cuerpos musculosos y retorcidos bastante distinta de los frescos del techo, más serenos y clásicamente equilibrados, pintados décadas antes. El fresco recibió críticas ya en su propia época por la abundancia de figuras desnudas en un espacio sagrado; tras la muerte de Miguel Ángel, en el clima más restrictivo posterior al Concilio de Trento, el papa Pío IV encargó al pintor Daniele da Volterra añadir velos sobre algunas de las figuras más expuestas, lo que le valió a Volterra el apodo perdurable, y algo poco favorecedor, de «il Braghettone» — «el de los calzones».

Una fe que se profundizó con los años

Las cartas de la época y la propia poesía tardía de Miguel Ángel apuntan a una vida religiosa cada vez más abiertamente devota con la edad, sobre todo a través de su estrecha amistad con Vittoria Colonna, noble, poetisa y figura ligada a las corrientes de reforma católica en la Italia de mediados del siglo XVI. Su correspondencia y sus intereses teológicos compartidos durante las décadas de 1530 y 1540 parecen haber marcado parte de la poesía religiosa tardía de Miguel Ángel y posiblemente también sus dibujos devocionales tardíos de la Crucifixión, notablemente más austeros e interiores que sus obras religiosas anteriores, físicamente más dramáticas.

Sus últimos sonetos vuelven repetidamente a temas de mortalidad, juicio y arrepentimiento por la ambición artística. Un poema tardío citado con frecuencia describe la «fantasía necia que hizo del arte mi ídolo» como algo que había extraviado su alma — un lenguaje que ha llevado a algunos estudiosos a leer los últimos años de Miguel Ángel como marcados por una auténtica ansiedad espiritual sobre si una vida dedicada al arte, por sagrado que fuera su tema, había servido finalmente a Dios o lo había distraído de él. Es difícil decir con certeza si esto refleja una convicción teológica asentada o las ansiedades ordinarias de un anciano contemplando la muerte, pero los poemas son inequívocos en su contenido emocional.

La fe expresada a través del cuerpo

Un hilo constante en toda la carrera religiosa de Miguel Ángel, que distingue su obra de la de muchos contemporáneos, es su insistencia en expresar el significado espiritual y teológico a través de una forma física intensa, a menudo tensa — cuerpos musculosos y retorcidos más que composiciones serenas y estáticas. Esto contrasta marcadamente con la tradición pictórica más tierna y suave de pintores como Rafael, que trabajaba en la misma época, y con el lenguaje aplanado y simbólico de la pintura de iconos bizantinos que había moldeado siglos de arte cristiano antes que él. Para Miguel Ángel, el cuerpo humano mismo — tallado, pintado, tenso hacia lo divino o abatido lejos de él — fue de forma constante el vehículo principal a través del cual exploró cuestiones de pecado, juicio, redención y gracia, un proyecto artístico y espiritual de toda una vida que nunca llegó realmente a separar al escultor del creyente.

Trivia

¿Fue Miguel Ángel una persona profundamente religiosa?

Sí; según relatos contemporáneos y sus propias cartas y poemas conservados, la fe católica de Miguel Ángel se profundizó notablemente en sus últimos años, en particular gracias a su amistad con la poetisa y reformadora Vittoria Colonna, y varios de sus poemas tardíos abordan explícitamente su sentimiento de culpa por haber dedicado su vida al arte más que a una devoción religiosa más directa.

¿Cuáles son las obras religiosas más famosas de Miguel Ángel?

Entre sus encargos religiosos más conocidos están la Piedad (1498-1499) en la Basílica de San Pedro, los frescos del techo de la Capilla Sixtina (1508-1512), con escenas del Génesis, y El Juicio Final (1536-1541), un fresco monumental que cubre el muro del altar de la capilla.

¿Objetó alguna vez la Iglesia católica el arte religioso de Miguel Ángel?

Sí — su fresco El Juicio Final, que incluye numerosas figuras desnudas, recibió críticas importantes durante y después de la Contrarreforma por lo que algunos clérigos consideraban indecoroso para un espacio sagrado, y tras la muerte de Miguel Ángel las reformas del Concilio de Trento llevaron a que se encargara a otro pintor, Daniele da Volterra, pintar velos sobre algunas de las figuras.

¿Cuántos años tenía Miguel Ángel cuando talló la Piedad?

Tenía aproximadamente veinticuatro años; había recibido el encargo en 1497 de un cardenal francés para lo que sería su tumba, y la escultura terminada, presentada hacia 1499, se recibió con tal asombro que Miguel Ángel, según se cuenta, talló su firma en la banda que cruza el pecho de María tras oír a unos visitantes atribuir la obra a otro escultor.

¿Escribió Miguel Ángel sobre sus propias luchas religiosas?

Sí — su poesía tardía, en especial los sonetos escritos ya en sus setenta y ochenta años, aborda directamente el temor a la muerte y al juicio, e incluye declaraciones explícitas de arrepentimiento por haber dejado que el arte, en sus propias palabras, se convirtiera en un ídolo que lo distraía de Dios, reflejando un giro tardío documentado hacia una piedad personal más abierta.