Leonardo da Vincis Das Abendmahl

Ein Auftrag für einen Dominikanerspeisesaal

Um 1495 arbeitete Leonardo da Vinci in Mailand unter der Schirmherrschaft von Herzog Ludovico Sforza, als er beauftragt wurde, ein Wandbild an der Nordwand des Refektoriums im Kloster Santa Maria delle Grazie zu malen — dem Raum, in dem die dort ansässigen Dominikanermönche ihre täglichen Mahlzeiten einnahmen. Das Thema passte natürlich zu einem klösterlichen Speisesaal: das Abendmahl, die Mahlzeit, die Christus in der Nacht vor seiner Kreuzigung mit seinen zwölf Aposteln teilte, bei der er ihnen — wie das Matthäusevangelium berichtet — unverblümt sagte: „Amen, ich sage euch: Einer von euch wird mich verraten und ausliefern“ (Matthäus 26,21, Einheitsübersetzung), was eine Welle der Verwirrung und des Leugnens am Tisch auslöste. Es handelt sich um dasselbe biblische Ereignis, das theologisch vertiefter in Das Letzte Abendmahl und die Einsetzung der Eucharistie behandelt wird; dieser Artikel konzentriert sich stattdessen auf Leonardos konkretes Gemälde — wie er es aufbaute, warum es beinahe verschwand und was seine Komposition bis heute so beständig studiert macht.

Leonardo arbeitete etwa drei Jahre lang an dem Wandbild, eine für ein Wandgemälde dieser Größe ungewöhnlich lange Zeitspanne, wobei er der Überlieferung nach lange innehielt, um einzelne Gesichter und Gesten zu durchdenken, bevor er den Pinsel auf den Putz ansetzte. Zeitgenössische Berichte, darunter der des Schriftstellers Matteo Bandello, der Leonardo bei der Arbeit beobachtete, beschreiben, wie er stundenlang vor der Wand stand, ohne einen einzigen Pinselstrich zu setzen, dann plötzlich einige Details hinzufügte und wieder ging — eine Arbeitsweise, die den Prior des Klosters frustrierte, die Leonardo jedoch als unerlässlich verteidigte, um den Ausdruck jedes Apostels genau richtig zu treffen.

Das technische Wagnis, das das Original zum Untergang verurteilte

Echte Freskomalerei verlangt, dass ein Künstler Pigment direkt in nassen Putz aufträgt, wodurch sich die Farbe beim Trocknen chemisch mit der Wand verbindet — eine Technik, die außergewöhnliche Haltbarkeit erzeugt, aber Geschwindigkeit erfordert, da der Künstler jeden Abschnitt fertigstellen muss, bevor der Putz abbindet. Leonardo, der lieber langsam arbeitete und dabei überarbeitete, lehnte Fresko für Das Abendmahl ab und experimentierte stattdessen mit einer Trockenwandtechnik, wobei er eine Mischung aus Tempera- und Ölfarbe auf bereits getrockneten Putz auftrug. Der Ansatz gab ihm die gewünschte Flexibilität, doch die Farbe haftete schlecht an der Wandoberfläche, und die Feuchtigkeit des Raumes — verschlimmert durch dessen Nutzung als Speisesaal mit Dampf und Rauch von Mahlzeiten — beschleunigte den Schaden. Berichte über Abblättern und Verfall tauchten bereits zu Leonardos Lebzeiten auf; bis Mitte des 16. Jahrhunderts beschrieb Vasari das Gemälde bereits als „Wirrwarr von Flecken“, und im siebzehnten Jahrhundert wurde sogar eine Tür in den unteren Teil der Wand geschnitten, wodurch Christi Füße vollständig aus der Komposition entfernt wurden.

Die Komposition lesen

Leonardo ordnete die dreizehn Figuren in vier Gruppen zu je drei Aposteln, die Christus in der Mitte flankieren, der ruhig und isoliert inmitten des visuellen Chaos um ihn sitzt — seine Gestalt bildet ein stabiles Dreieck, ein Echo derselben geometrischen Disziplin, die wenige Jahre zuvor in Michelangelos Pietà zu sehen war, hier jedoch auf ein völlig anderes Medium und Thema angewandt. Jede Gruppe von Aposteln reagiert auf Christi Ankündigung des Verrats mit einer eigenen Mischung aus Schock, Leugnen, Zorn oder stillem Rückzug — Leonardo nutzte Handgesten und Körpersprache statt allein des Gesichtsausdrucks, um jede Figur zu individualisieren, eine Technik, die er ausgiebig in vorbereitenden Skizzen studiert hatte, von denen mehrere heute in Museumssammlungen erhalten sind. Judas sitzt, statt wie in den meisten früheren Darstellungen der Szene am gegenüberliegenden Tischende isoliert zu sein, unter den anderen Aposteln, lehnt sich in den Schatten zurück, sein Gesicht teilweise verborgen — erkennbar vor allem am kleinen Beutel mit Münzen, den er umklammert, und an seiner abwehrenden Haltung, eine subtilere Form der bildlichen Verurteilung als die schroffe Trennung, auf die ältere Kompositionen setzten.

Der Raum selbst setzt die reale Architektur des Refektoriums durch gemalte Linearperspektive fort, wobei der Fluchtpunkt genau auf Christi Kopf zusammenläuft — ein Mittel, das dem Wandbild das Gefühl gibt, eine Fortsetzung des tatsächlichen Speisesaals zu sein statt einer separaten gemalten Szene, was den Eindruck verstärkt, dass die darunter essenden Mönche denselben Raum mit dem biblischen Mahl selbst teilten.

Jahrhunderte versuchter Reparatur

Der fragile Zustand des Gemäldes veranlasste über die Jahrhunderte wiederholte Restaurierungsversuche, von denen viele mehr schadeten als nützten. Restauratoren späterer Epochen übermalten beschädigte Abschnitte vollständig, veränderten dabei manchmal Gesichter und Details auf eine Weise, die von Leonardos Originalwerk abwich, und ein alliierter Bombenangriff 1943 während des Zweiten Weltkriegs zerstörte das Dach des Refektoriums, doch die das Gemälde tragende Wand — vorsorglich mit Sandsäcken geschützt — überstand den Angriff wie durch ein Wunder weitgehend unversehrt. Die bedeutendste moderne Restaurierung, geleitet von der Restauratorin Pinin Brambilla Barcilon, dauerte von 1978 bis 1999 und nutzte mikroskopische Analyse sowie die mühsame Entfernung von Jahrhunderten an Übermalungen, Schmutz und Klebstoff früherer Restauratoren, um so viel wie möglich von Leonardos authentischer Malschicht zu retten. Das 1999 enthüllte Ergebnis ist zwangsläufig ein unvollständiges Gemälde — ganze Passagen sind unwiederbringlich verloren —, doch es bietet den nächstmöglichen Blick auf Leonardos ursprüngliche Absichten, seit das Werk vor fünf Jahrhunderten zu verfallen begann.

Ein Gemälde, das prägte, wie die Szene fortan vorgestellt würde

Trotz seines beschädigten Zustands wurde Das Abendmahl zur maßgeblichen bildlichen Vorlage dafür, wie sich die westliche Kunst und Populärkultur die Szene in den folgenden fünf Jahrhunderten vorstellte, kopiert, zitiert und reproduziert mehr als fast jedes andere religiöse Gemälde der Geschichte. Sein Einfluss reicht weit über die bildende Kunst hinaus — es ist selbst für Betrachter ohne besonderen religiösen Hintergrund sofort wiedererkennbar, ein Zeugnis dafür, wie gründlich Leonardos konkrete Inszenierung des Moments, Apostel, die in dramatischen Gruppen um einen ruhigen zentralen Christus reagieren, jede frühere Version desselben Themas in der öffentlichen Vorstellung verdrängte.