La Inmaculada Concepción de Murillo

Una doctrina pintada mucho antes de su definición formal

La Inmaculada Concepción —la creencia de que la propia María fue concebida libre de pecado original— era ya una tradición devocional ampliamente sostenida y apasionadamente debatida en el mundo católico durante siglos antes de que el papa Pío IX la definiera formalmente como dogma en 1854. En la Sevilla del siglo XVII, donde Bartolomé Esteban Murillo pasó casi toda su vida laboral, la devoción a la doctrina calaba especialmente hondo, defendida sobre todo por la orden franciscana, que llevaba tiempo argumentando a su favor frente a las objeciones teológicas planteadas por algunos teólogos dominicos. Cofradías religiosas, hospitales y conventos de toda la ciudad encargaban repetidamente cuadros sobre el tema, y Murillo, que se convirtió en el pintor religioso más solicitado de Sevilla durante la segunda mitad del siglo, terminó produciendo más versiones de la Inmaculada Concepción que de cualquier otro tema individual en su carrera; las estimaciones de los historiadores del arte suelen oscilar entre unas veinte y hasta treinta pinturas distintas a lo largo de su vida.

Esta pura repetición otorgó a Murillo un papel desproporcionado en la manera en que el tema se entendería visualmente mucho más allá de España. Aunque artistas anteriores habían experimentado con distintas composiciones para la Inmaculada Concepción, la fórmula particular de Murillo —refinada y repetida a lo largo de décadas— se hizo tan ampliamente reproducida y admirada que se convirtió, de hecho, en la plantilla visual por defecto que la mayoría de la gente todavía imagina hoy cuando surge el tema.

La fórmula: luna, manto y querubines

Las composiciones maduras de Murillo sobre la Inmaculada Concepción comparten un conjunto coherente de elementos visuales. María de pie sobre una luna creciente, con las manos habitualmente unidas en oración o cruzadas sobre el pecho, vestida con una túnica blanca que simboliza la pureza bajo un manto azul asociado tradicionalmente a ella en todo el arte cristiano. Está elevada y rodeada de nubes ondulantes llenas de querubines, con sus pequeños rostros y alas emergiendo de una atmósfera suave y luminosa en lugar de ocupar un espacio claramente definido; una técnica que confiere a los cuadros de Murillo su característica cualidad brumosa y etérea, bastante distinta de las composiciones marianas más nítidas y arquitectónicamente estructuradas de artistas anteriores.

La fuente visual de esta imaginería se apoya en la descripción del Libro del Apocalipsis de «una mujer vestida de sol, con la luna bajo sus pies, y una corona de doce estrellas sobre su cabeza» (Apocalipsis 12:1) —un pasaje entendido originalmente en su contexto inmediato como una referencia a Israel o a la Iglesia, pero que la tradición católica llegó a aplicar tipológicamente también a María, aportando la luna creciente y la luz radiante que se convirtieron en rasgos estándar de la imaginería de la Inmaculada Concepción mucho antes de la época de Murillo—. El genio de Murillo residió menos en inventar nuevos elementos iconográficos que en perfeccionar su ejecución: un manejo suave y atmosférico de la luz y el color que hacía que sus versiones se sintieran menos como ilustraciones doctrinales estáticas y más como visiones genuinas capturadas en el acto de suceder, una cualidad que comparte cierto parentesco con la puesta en escena visionaria, entre cortinas entreabiertas, de la anterior Madona Sixtina de Rafael, aunque ambos pintores trabajaran en épocas y tradiciones estilísticas muy distintas.

La Inmaculada Soult: un cuadro robado dos veces

Entre las muchas versiones de Murillo, una en particular se hizo especialmente célebre: un gran lienzo pintado originalmente para la iglesia del Hospital de los Venerables Sacerdotes en Sevilla. Durante la ocupación napoleónica de España a comienzos del siglo XIX, el mariscal francés Jean-de-Dieu Soult, al mando de tropas en Andalucía, saqueó sistemáticamente grandes obras de arte de iglesias y casas religiosas de la región, y esta Inmaculada Concepción figuró entre las obras que retiró de Sevilla y conservó en su propia colección privada durante décadas. Tras la muerte de Soult, sus herederos vendieron el cuadro, que fue adquirido por el Louvre de París en 1852 por lo que fue, en su momento, uno de los precios más altos jamás pagados por una pintura en una subasta pública; un testimonio elocuente de cuánto había crecido la reputación de Murillo en Europa a mediados del siglo XIX. El cuadro ha permanecido en el Louvre desde entonces, todavía con el apodo del mariscal que lo tomó. España ha solicitado periódicamente la devolución de obras saqueadas durante la ocupación napoleónica, y la Inmaculada Soult sigue siendo uno de los ejemplos más citados en las conversaciones en curso sobre la restitución del arte incautado en ese periodo, aunque no se ha producido ningún traspaso formal en los casi dos siglos transcurridos desde que Soult la retiró de Sevilla.

Un legado visual más allá de España

El estilo suave y luminoso de Murillo, y su refinamiento reiterado de la composición de la Inmaculada Concepción, influyeron en el arte devocional de todo el mundo católico durante generaciones, reproducidos en grabados, copias más pequeñas y, más tarde, en imaginería devocional producida en masa que llevó su visión particular de María —juvenil, serena, elevada sin peso sobre nubes de querubines— a iglesias y hogares mucho más allá de Sevilla. Incluso hoy, las imágenes devocionales populares de la Inmaculada Concepción se hacen eco con tanta frecuencia de la fórmula básica de Murillo que la conexión, reconocida conscientemente o no, se remonta directamente a un pintor barroco que trabajó casi en exclusiva para las iglesias y cofradías de Sevilla, y que simplemente volvió al mismo tema más veces, y con más habilidad sostenida, que cualquier otro artista de su época.