L'Immacolata Concezione di Murillo

Una dottrina dipinta molto prima di essere definita formalmente

L'Immacolata Concezione — la credenza secondo cui Maria stessa fu concepita libera dal peccato originale — era già, per secoli prima che papa Pio IX la definisse formalmente come dogma nel 1854, una tradizione devozionale diffusa e appassionatamente discussa nel mondo cattolico. Nella Siviglia del Seicento, dove Bartolomé Esteban Murillo trascorse quasi tutta la vita lavorativa, la devozione a questa dottrina era particolarmente radicata, sostenuta soprattutto dall'ordine francescano, che da lungo tempo la difendeva contro le obiezioni teologiche sollevate da alcuni teologi domenicani. Confraternite religiose, ospedali e conventi di tutta la città commissionarono ripetutamente dipinti sul tema, e Murillo, che divenne il pittore religioso più richiesto di Siviglia nella seconda metà del secolo, finì per produrre più versioni dell'Immacolata Concezione che di qualsiasi altro soggetto della sua carriera — le stime degli storici dell'arte variano di solito tra circa venti e fino a trenta dipinti distinti nel corso della sua vita.

Questa vera e propria ripetizione conferì a Murillo un ruolo enorme nel plasmare il modo in cui il soggetto sarebbe stato visivamente compreso ben oltre la Spagna. Mentre artisti precedenti avevano sperimentato varie composizioni per l'Immacolata Concezione, la formula particolare di Murillo — raffinata e ripetuta nel corso di decenni — divenne talmente riprodotta e ammirata da diventare di fatto il modello visivo predefinito che molte persone ancora oggi immaginano quando si parla del soggetto.

La formula: luna, manto e cherubini

Le composizioni mature dell'Immacolata Concezione di Murillo condividono un insieme coerente di elementi visivi. Maria è in piedi su una falce di luna, le mani in genere giunte in preghiera o incrociate sul petto, vestita di una veste bianca che simboleggia la purezza, sotto un manto blu tradizionalmente associato a lei in tutta l'arte cristiana. È sollevata e circondata da nuvole vaporose popolate da cherubini, i cui piccoli volti e ali emergono da un'atmosfera morbida e luminosa piuttosto che occupare uno spazio chiaramente definito — una tecnica che conferisce ai dipinti di Murillo la loro caratteristica qualità sfumata ed eterea, ben diversa dalle composizioni mariane più nitide e architettonicamente strutturate di artisti precedenti.

La fonte visiva di questa immagine attinge alla descrizione dell'Apocalisse di "una donna vestita di sole, con la luna sotto i suoi piedi e, sul capo, una corona di dodici stelle" (Apocalisse 12,1, CEI) — un passo originariamente inteso, nel suo contesto immediato, come riferito a Israele o alla Chiesa, ma che la tradizione cattolica giunse ad applicare tipologicamente anche a Maria, fornendo la falce di luna e la luce raggiante diventate elementi standard dell'iconografia dell'Immacolata Concezione ben prima dell'epoca di Murillo. Il genio di Murillo consistette meno nell'inventare nuovi elementi iconografici che nel perfezionarne l'esecuzione — un trattamento morbido e atmosferico della luce e del colore che rese le sue versioni meno simili a statiche illustrazioni dottrinali e più a vere e proprie visioni colte nell'atto di accadere, una qualità che condivide una certa affinità con la messa in scena visionaria, quasi da tenda che si apre, della precedente [Madonna Sistina] (/blog/en/sacred-art/raphaels-sistine-madonna/) di Raffaello, pur trattandosi di due pittori operanti in epoche e tradizioni stilistiche molto diverse.

L'Immacolata Soult: un dipinto rubato due volte

Tra le tante versioni di Murillo, una in particolare divenne particolarmente celebre: una grande tela dipinta originariamente per la chiesa dell'Hospital de los Venerables Sacerdotes di Siviglia. Durante l'occupazione napoleonica della Spagna, all'inizio del XIX secolo, il maresciallo francese Jean-de-Dieu Soult, al comando delle truppe in Andalusia, saccheggiò sistematicamente importanti opere d'arte da chiese e case religiose di tutta la regione, e questa Immacolata Concezione fu tra le opere che sottrasse a Siviglia, conservandola nella propria collezione privata per i decenni successivi. Dopo la morte di Soult, i suoi eredi vendettero il dipinto, che fu acquisito dal Louvre di Parigi nel 1852 per quella che, all'epoca, fu una delle cifre più alte mai pagate per un dipinto in un'asta pubblica — una testimonianza eloquente di quanto la reputazione di Murillo si fosse affermata in tutta Europa entro la metà dell'Ottocento. Il dipinto è rimasto al Louvre da allora, portando ancora il soprannome del maresciallo che lo prelevò. La Spagna ha periodicamente chiesto la restituzione delle opere saccheggiate durante l'occupazione napoleonica, e l'Immacolata Soult resta uno degli esempi più spesso citati nel dibattito in corso sulla restituzione delle opere d'arte sequestrate in quel periodo, sebbene non abbia avuto luogo alcun trasferimento formale nei quasi due secoli trascorsi da quando Soult la prelevò da Siviglia.

Un'eredità visiva oltre la Spagna

Lo stile morbido e luminoso di Murillo, e il suo continuo affinamento della composizione dell'Immacolata Concezione, influenzarono l'arte devozionale in tutto il mondo cattolico per generazioni, riprodotti in stampe, copie di minor formato e, in seguito, in immagini devozionali prodotte in serie che portarono la sua particolare visione di Maria — giovane, serena, sollevata senza peso su nuvole di cherubini — in chiese e case ben oltre Siviglia. Ancora oggi, le immagini devozionali popolari dell'Immacolata Concezione ricalcano spesso così da vicino la formula fondamentale di Murillo che il legame, riconosciuto consapevolmente o meno, risale direttamente a un pittore barocco che lavorò quasi esclusivamente per le chiese e le confraternite di Siviglia, e che semplicemente tornò sullo stesso soggetto più spesso, e con abilità più costante, di qualsiasi altro artista della sua epoca.