I due cherubini della Madonna Sistina: come sono usciti dal dipinto

Un piccolo dettaglio con una seconda vita spropositata

Raffaello dipinse la Madonna Sistina come una scena devozionale completa: la Vergine Maria che avanza tra tende socchiuse, cullando il Bambino Gesù, affiancata da San Sisto e Santa Barbara in posture di riverenza, l'intera composizione viva di movimento e luce raccolta. In fondo, quasi come un ripensamento, aggiunse due piccoli bambini alati appoggiati a un davanzale, lo sguardo rivolto in alto e verso l'esterno, con un'espressione a metà tra la curiosità e la lieve noia. Per secoli furono semplicemente parte del dipinto. Poi, a partire dal XIX secolo, tipografi ed editori cominciarono a isolare proprio quella striscia inferiore per cartoline e stampe, e i cherubini si staccarono lentamente del tutto dalla scena religiosa sopra di loro, diventando una delle immagini più riprodotte della cultura visiva occidentale — riconoscibile per milioni di persone che non hanno mai visto, né sentito parlare, del dipinto da cui provengono. Chi legge può trovare la storia completa della Madonna Sistina di Raffaello trattata altrove su questo sito.

Cosa significa davvero "cherubino", e cosa sono davvero queste figure

Nell'uso comune, "cherubino" è arrivato a significare quasi qualunque figura alata di bambino paffuto nell'arte religiosa, ed è in questo senso che le due figure di Raffaello sono popolarmente conosciute. Dal punto di vista teologico, tuttavia, i cherubini sono un ordine di essere angelico specifico e ben più formidabile — descritti nell'Antico Testamento come custodi dello spazio sacro, posti all'ingresso dell'Eden e raffigurati sopra l'Arca dell'Alleanza, non come infanti giocosi. I piccoli bambini alati comuni nell'arte rinascimentale e barocca, inclusa la coppia di Raffaello, sono più precisamente chiamati putti, un tipo di figura decorativa e simbolica presa in prestito dall'antichità classica e adattata nell'arte cristiana come presenza di corredo nelle scene sacre. L'etichetta popolare "cherubino" vi si è comunque attaccata, e ormai i due usi della parola sono diventati di fatto inseparabili nel linguaggio comune.

Il loro posto all'interno della composizione

Posti alla base della tela, con le braccia appoggiate su ciò che si legge come un davanzale o il bordo inferiore della cornice stessa, i due putti occupano uno spazio di transizione tra il mondo dell'osservatore e la visione che si dispiega sopra di loro — la Madonna che sembra avanzare tra tende socchiuse come se il dipinto stesso fosse una finestra aperta su un'apparizione celeste. Il loro sguardo rivolto verso l'esterno e lievemente distratto rompe con l'attenzione adorante e rivolta verso l'alto di San Sisto e Santa Barbara altrove nella scena, creando una pausa silenziosa in fondo a una composizione altrimenti intensamente concentrata. Cosa esattamente Raffaello intendesse con quel contrasto non fu mai registrato con le sue stesse parole, ma molti storici dell'arte lo leggono come un tocco deliberato di ammorbidimento, che umanizza una visione altrimenti solenne con due figure che sembrano, per un attimo, non impressionate dal miracolo che accade appena sopra le loro teste.

Tecnica: come Raffaello li dipinse

Anche a questa scala ridotta, i cherubini mostrano le qualità che resero la pennellata di Raffaello tanto ammirata dai suoi contemporanei e dalle generazioni di pittori venute dopo di lui. Il passaggio dalla carne morbida delle guance alla trama vaporosa, appena accennata, dei capelli è trattato con la stessa fusione levigata, quasi invisibile — lo sfumato, una tecnica per ammorbidire i contorni in modo che i toni si fondano l'uno nell'altro invece di incontrarsi lungo una linea netta — che Raffaello assorbì studiando l'opera di Leonardo da Vinci durante i suoi anni fiorentini. Le ali, al contrario, sono costruite con pennellate più rapide e più texturizzate, che catturano la luce in modo diverso rispetto alla pelle liscia accanto a esse, un piccolo ma deliberato contrasto di trattamento che impedisce alle figure di risultare piatte o simili a bambole nonostante le loro dimensioni contenute. Rispetto ai putti più netti e lineari comuni nella pittura quattrocentesca precedente, la coppia di Raffaello appare dotata di peso e tridimensionalità, appoggiata in modo credibile su un davanzale reale invece che semplicemente incollata come decorazione lungo il bordo inferiore della tela.

Lo stile tardo di Raffaello e lo scopo originario del dipinto

La Madonna Sistina fu dipinta intorno al 1512 come pala d'altare per la chiesa di San Sisto a Piacenza, commissionata da papa Giulio II, e riflette Raffaello al culmine delle proprie capacità — composizione equilibrata, colore caldo e un naturalismo che era andato ben oltre le Madonne più rigide e formali del primo Rinascimento. Restò a Piacenza per oltre due secoli prima che Augusto III, elettore di Sassonia, l'acquistasse nel 1754 per la propria corte a Dresda, dove è rimasta da allora, a parte un periodo di trasferimento durante la guerra in Unione Sovietica e il ritorno nel 1955.

Come i cherubini sono usati oggi, dal punto di vista devozionale e culturale

Oggi le due figure compaiono molto più spesso staccate dal proprio contesto religioso che al suo interno — stampate su tutto, dalla carta da regalo alle cover per telefono — ma conservano una vita più piccola e silenziosa come immagine devozionale a pieno titolo, comparendo su santini e in contesti devozionali mariani proprio perché il loro sguardo rivolto verso l'alto può essere letto come diretto verso la Madonna e il Bambino sopra di loro, anche quando ritagliati fuori dalla scena completa. Questa doppia vita, sia come pezzo di immaginario commerciale di massa sia come frammento di autentica arte devozionale rinascimentale, li rende un esempio insolitamente chiaro di come un'immagine religiosa possa viaggiare ben oltre la chiesa per cui fu dipinta, senza mai perdere del tutto il contesto sacro da cui proviene.