Caravaggios Die Berufung des heiligen Matthäus

Ein Auftrag, der eine Karriere startete

1599 erhielt ein junger und noch relativ unbekannter Maler namens Michelangelo Merisi — nach der Heimatstadt seiner Familie in der Lombardei Caravaggio genannt — seinen ersten großen öffentlichen Auftrag: drei große Leinwände für die Contarelli-Kapelle in der französischen Nationalkirche San Luigi dei Francesi in Rom, die Szenen aus dem Leben des Apostels Matthäus darstellen sollten. Die Berufung des heiligen Matthäus, bis 1600 vollendet, war eines der beiden Seitengemälde, die ein Altarbild mit Matthäus und dem Engel flankierten, und etablierte fast unmittelbar den dramatischen Stil, der Caravaggio zu einem der einflussreichsten und umstrittensten Maler seiner Epoche machen sollte. Dieses Gemälde zeigt einen konkreten Moment im Leben des Matthäus, kein allgemeines Porträt; zur umfassenderen Geschichte des Apostels selbst siehe Der heilige Matthäus, der Apostel.

Der Evangelienbericht selbst ist bemerkenswert knapp: „Als Jesus weiterging, sah er einen Mann namens Matthäus am Zoll sitzen und sagte zu ihm: Folge mir nach! Da stand Matthäus auf und folgte ihm“ (Matthäus 9,9, Einheitsübersetzung). Kein weiteres Evangeliendetail beschreibt die Szene — kein Dialog über diese wenigen Worte hinaus, keine Beschreibung des Raums oder der anderen anwesenden Männer. Caravaggio baute eine gesamte, psychologisch aufgeladene Komposition fast vollständig aus eigener Vorstellungskraft, ausgehend von diesem einzigen knappen Satz.

Licht als eigentliches Thema

Caravaggio verlegte die Szene in ein dämmriges, zeitgenössisches römisches Interieur statt in eine idealisierte biblische Landschaft, mit Matthäus und mehreren Gefährten, die um einen Tisch versammelt Geld zählen — was seinen Beruf als Zöllner visuell etabliert, eine Rolle, die im Judäa des ersten Jahrhunderts starke Konnotationen moralischer Kompromittierung und gesellschaftlicher Verachtung trug, da Zöllner für die römische Besatzungsmacht arbeiteten und weithin als Kollaborateure und Erpresser galten. Christus tritt von rechts ein, größtenteils im Schatten, sein Gesicht teilweise verborgen, wobei nur sein ausgestreckter Arm und die zeigende Hand volles Licht einfangen — eine Geste, die Kunsthistoriker seit Langem bildlich mit Michelangelos Erschaffung Adams an der Decke der Sixtinischen Kapelle verbinden, wobei die ausgestreckte Hand hier jedoch eine Berufung anbietet statt des Lebensfunkens selbst.

Das meistgefeierte Element der Komposition ist ihre Lichtquelle: ein starker diagonaler Strahl, der von einem Fenster außerhalb der gemalten Szene einzudringen scheint, fast genau demselben Winkel wie Christi zeigender Arm folgt und Gesichter und Münzen am Tisch beleuchtet, während er große Teile des Raums in tiefem Schatten lässt. Diese Technik — Chiaroscuro, die dramatische Manipulation von Licht und Dunkel — war für die Malerei im Allgemeinen nicht neu, doch Caravaggio trieb sie weiter als seine Vorgänger und nutzte sie nicht nur, um dreidimensionale Form zu modellieren, sondern um den Blick des Betrachters zu lenken und das gesamte erzählerische und emotionale Gewicht der Szene zu tragen. Das Licht wird faktisch zu einer zweiten, wortlosen Artikulation von Christi ausgesprochenem Befehl, das genau dort auf den Tisch trifft, wohin seine Hand zeigt.

Moderne Kleidung in einer alten Geschichte

Anders als die meisten religiösen Maler seiner Epoche, die biblische Figuren meist in allgemeine Gewänder kleideten, die eine ferne, idealisierte Vergangenheit heraufbeschwören sollten, kleidete Caravaggio die Männer am Tisch in die modischen Wämser, Federhüte und Schwerter des zeitgenössischen römischen Straßenlebens um 1600. Diese Wahl schockierte zeitgenössische Betrachter, die an konventionell ehrfürchtigere, historisch distanziertere religiöse Bilder gewöhnt waren, diente jedoch auch einem klaren andächtigen Zweck, der mit den Zielen der gegenreformatorischen Kirche übereinstimmte, die Kunst förderte, die heilige Ereignisse für gewöhnliche Gläubige unmittelbar und persönlich relevant erscheinen ließ, statt als ferne historische Episoden. Indem er die Berufung eines Apostels in etwas versetzte, das wie eine zeitgenössische römische Taverne oder Zählstube wirkt, legte Caravaggio nahe, dass ein solcher Moment göttlichen Eingreifens jedem widerfahren könnte, an jedem Tisch, in jedem gewöhnlichen Raum — nicht nur einer sicher fernen Gestalt der biblischen Antike.

Ein Streit darüber, welcher Mann Matthäus ist

Kunsthistoriker debattieren seit Langem, welche Figur am Tisch tatsächlich Matthäus darstellt. Die traditionelle und am weitesten akzeptierte Deutung identifiziert den bärtigen, älteren Mann in der Mitte der Gruppe, der mit fragendem Ausdruck auf seine eigene Brust zeigt, als frage er „wer, ich?“, als Matthäus — eine Interpretation, gestützt durch seine zentrale Position und direkte Reaktion auf Christi Geste. Eine Minderheit von Gelehrten hat stattdessen argumentiert, dass der junge Mann am äußersten Ende des Tisches, den Kopf über die Münzen gebeugt und scheinbar unbeteiligt am Geschehen, der wahre Matthäus sei, während der ältere Mann lediglich auf ihn deute statt auf sich selbst. Diese Uneindeutigkeit, ob beabsichtigt oder nicht, hat das Gemälde über Jahrzehnte zum Gegenstand aktiver wissenschaftlicher Diskussion gemacht und einer Szene, die bereits um den Moment des Erkennens und der Reaktion herum aufgebaut ist, eine zusätzliche Deutungsspannung verliehen.

Ein bleibendes Vorbild für religiöses Drama

Die Berufung des heiligen Matthäus etablierte zusammen mit den Begleitwerken in der Contarelli-Kapelle eine Bildsprache — grelles Licht gegen tiefen Schatten, zeitgenössische Kleidung, gewöhnliche Umgebungen für außergewöhnliche Momente —, die Generationen von Barockmalern in ganz Europa beeinflusste, von Caravaggios direkten Nachfolgern in Rom bis zu Künstlern so weit entfernt wie in der Niederländischen Republik, wo Rembrandt später verwandte Beleuchtungstechniken auf seine eigenen religiösen Szenen anwenden sollte, darunter Die Rückkehr des verlorenen Sohnes. Mehr als vier Jahrhunderte nach seiner Fertigstellung bleibt es an seinem ursprünglichen Kapellenstandort, noch heute weitgehend von demselben natürlichen Licht beleuchtet, das Caravaggio einzufangen malte.