Georges de La Tours Büßende Magdalena

Ein Maler, der fast ausschließlich im Kerzenlicht arbeitete

Georges de La Tour verbrachte seine Laufbahn im Herzogtum Lothringen, im heutigen Nordosten Frankreichs, größtenteils außerhalb der großen Kunstzentren Paris und Rom tätig, erlangte jedoch zu Lebzeiten echte Anerkennung und trug schließlich unter Ludwig XIII. den Titel "Maler des Königs". Sein Ruf überstand jedoch die folgenden Jahrhunderte nicht. Bis zum 18. Jahrhundert war sein Name aus der Kunstgeschichte fast verschwunden, seine Gemälde verschiedenen anderen Künstlern fälschlich zugeschrieben oder schlicht vergessen, bis eine bedeutende Wiederentdeckung im frühen 20. Jahrhundert ihm seinen heutigen Rang als einer der großen Maler des französischen Barock zurückgab.

Was La Tour heraushebt und worauf moderne Betrachter am unmittelbarsten reagieren, ist sein fast obsessiver Einsatz einer einzigen sichtbaren Lichtquelle – typischerweise einer Kerze oder Fackel –, um eine ganze Komposition aufzubauen. Anders als Caravaggio, dessen dramatische Licht-Schatten-Technik eine ganze Generation europäischer Maler beeinflusste, darunter wohl indirekt auch La Tour selbst, sind La Tours Lichtquellen meist im Bild selbst sichtbar statt von außerhalb angedeutet. Die Kerze erleuchtet die Szene nicht nur; sie ist, in einem sehr wörtlichen Sinn, das Objekt, auf das die Figuren im Gemälde blicken, und das Element, das bestimmt, was der Betrachter sehen kann und was nicht.

Maria Magdalena, immer wieder aufgesucht

Unter den Themen, zu denen La Tour über seine Laufbahn hinweg wiederholt zurückkehrte, sticht Maria Magdalena in einsamer, kerzenerleuchteter Buße als eine seiner beständigsten Beschäftigungen hervor. Mindestens vier erhaltene Gemälde behandeln dasselbe grundlegende Thema mit Variationen im Detail: eine Frau, allein sitzend in der Nacht, nur von einer Kerze erhellt, oft mit einem Totenschädel im Schoß oder auf einem Tisch vor ihr ruhend, manchmal mit einem Spiegel, positioniert, um die Flamme in die Komposition zurückzuwerfen. Diese Gemälde befinden sich heute verteilt in bedeutenden Sammlungen, darunter der Louvre in Paris, das Metropolitan Museum of Art in New York und das Los Angeles County Museum of Art.

Die westliche christliche Kunst hat Maria Magdalena seit Jahrhunderten als büßende Gestalt dargestellt, einer langlebigen Tradition folgend, die mindestens bis ins sechste Jahrhundert zurückreicht und mit einer Homilie Papst Gregors des Großen verbunden ist, welche die in den Evangelien genannte Magdalena mit der namenlosen "sündigen Frau" aus dem Lukasevangelium vermischte, die Christi Füße mit ihren Tränen wusch, die im Lukasevangelium beschrieben wird. Die moderne biblische Forschung hat diese Figuren weitgehend wieder getrennt, doch die vermischte Tradition prägte einen enormen Bestand an Andachtskunst über Mittelalter und Frühe Neuzeit hinweg, von dem La Tours Gemälde ein besonders zurückhaltendes, psychologisch verinnerlichtes spätes Beispiel darstellen.

Die Symbole im Schatten lesen

Der Totenschädel, der in fast jeder Fassung von La Tours Magdalena erscheint, gehört zu einer fest etablierten Symbolgattung, bekannt als Vanitas, weit verbreitet in der europäischen Kunst des 17. Jahrhunderts, in der Gegenstände wie Totenschädel, erloschene Kerzen, Sanduhren und welkende Blumen den Betrachter an die Kürze des Lebens und die letztliche Vergeblichkeit weltlicher Eitelkeit erinnerten. Im Schoß Maria Magdalenas oder unter ihren gefalteten Händen platziert, verwandelt der Totenschädel einen Moment stiller, kerzenerleuchteter Ruhe in eine Meditation über die Sterblichkeit – passend für eine Gestalt, deren überlieferte Geschichte eine Abkehr vom weltlichen Leben hin zur geistlichen Hingabe ist.

Der in manchen Fassungen der Komposition vorhandene Spiegel fügt eine weitere traditionelle Bedeutungsebene hinzu. Spiegel in Vanitas-Bildern trugen oft Assoziationen mit Eitelkeit und Selbstbetrachtung, doch hier spiegelt der Spiegel nicht Maria Magdalenas Gesicht, sondern die Kerzenflamme selbst – ein visuelles Wortspiel, das viele Deutungen hervorgerufen hat, am häufigsten gelesen als Hinweis darauf, dass sich ihr Blick von sich selbst ab- und etwas Höherem zugewandt hat, wobei die Flamme für geistliche Erleuchtung oder göttliche Wahrheit steht. Die erloschene oder fast erloschene Beschaffenheit mancher Kerzen in verschiedenen Fassungen wurde ebenso als Markierung des Übergangs von einem alten, weltlichen Leben zu einem neuen, kontemplativen gedeutet.

Eine aus Zurückhaltung gebaute Intimität

Was La Tours Behandlung dieses Themas von den vielen dramatischen, tränenreichen Magdalenen seiner Zeitgenossen unterscheidet, ist seine außergewöhnliche Zurückhaltung. Es gibt kein sichtbares Weinen, keine theatralische Trauergeste, keine Menge von Zuschauern. Maria Magdalena sitzt im Wesentlichen allein mit ihren Gedanken, ihr Gesicht oft völlig vom Betrachter abgewandt, ihre Aufmerksamkeit von der Kerzenflamme absorbiert statt für den Blick eines Betrachters nach außen gerichtet. Diese Qualität privater, fast meditativer Stille ist mit ein Grund, warum diese Gemälde für spätere Betrachter, Jahrhunderte vom spezifischen Andachtskontext ihrer Entstehung entfernt, so auffallend modern wirken – weniger eine öffentliche Erklärung religiösen Dramas als eine intime, stille Studie eines einzelnen, sich nach innen wendenden Geistes, erleuchtet von nichts weiter als einer einzelnen Flamme in einem ansonsten dunklen Raum.

Moderne Museen haben diese Qualität der Stille in der Regel bei der Präsentation dieser Werke übernommen und hängen La Tours Magdalena-Gemälde oft in schwach beleuchteten Galerien auf, gestaltet, um sich eher dem Kerzenlicht als der üblichen Museumsbeleuchtung anzunähern, wodurch die einzelne gemalte Flamme bleibt, wofür sie immer gedacht war: das hellste Ding im Raum. Besucher, die einer dieser Leinwände auf diese Weise begegnen, beschreiben oft ein Erlebnis, das eher dem Hineinstolpern in jemandes privates Gebet gleicht als dem gewöhnlichen Betrachten eines Gemäldes – genau die Art stiller Eindringlichkeit, die La Tours kerzenerleuchtete Kompositionen zu provozieren scheinen.